海明威38號

 
IMDB連結：絕美之城 （英文片名：The Great Beauty)
 

 
IMDB連結：Author's Anonymous 匿名作者
一對有錢頂客族的夫妻，一個傻不愣登美少女，肯打拼的文青男，

 
IMDB 連結：Du Levande. 
(英譯You, the Living. 中譯人生如是)

 
IMDB連結：Oh! Boy 噢！柏林男孩
最喜歡看這類型的小電影了。

 
Roy Andersson, 2007.
在2012台北電影節之前，我不認識這位瑞典導演。
影展期間有幸擔任與安德森導演長期合作的製片，
Johan Carlsson之接待人員，
才發現我早在瑞典看過他的廣告作品。
安德森拍片風格之獨特，辨識度極高。
但在遙遠的台灣應該很少人聽過他呀！
影展期間屢屢看到滿座的場次，才驚覺其實他在台灣已經偷偷的養出一票死忠粉絲。
源自幾年前金馬影展播過「二樓傳來的歌聲」， 影迷久久難忘。
像這樣的電影作品，台灣沒有片商買下，平常管道難以取得，
若不追著影展跑這輩子很難再看著幾次。
感謝Youtube的存在，可以讓沒進電影院的人沾露聞香，
感受何謂荒繆又幽默「超現實主義」的瑞典名導風格。
Roy 今年69歲，imdb上面的電影履歷表點開，半頁不到的篇幅就條列完畢。
從60年代，洛伊安德森在學校中的短片作品，
到千禧年揚名國際的「二樓傳來的歌聲」，中間消失近25年。
他跑去拍廣告了。
我和不熟知他是誰的朋友笑稱：就當他是瑞典的吳念真吧。
（當然他拍的廣告不是自己入鏡的那種）
他在瑞典家喻戶曉，廣告畢竟是深入每個家庭臥室的傳播媒介。
甚至很多是國際性的廣告，創意點極為巧妙，
也是大家網路轉貼「超爆笑廣告」的時候偶爾會出現的作品。
雖然有些橋段需要了解台詞才有意義，不過大部份畫面說明了一切：
在深夜裡看要小心別笑太大聲。
 
由25年的廣告生涯做分水嶺，之前之後的作品風格差異十萬八千里，
若沒仔細找線索，很難看出來是同一個人的作品。
學生作品裡，多把焦點集中在日常生活，
運用許多特寫鏡頭，這在後期的電影中是完全不復見的。
因為生活的瑣碎，細節，於是容易感覺劇中人的起心動念，
像是可以聽見他們心裡獨白，沒有人說出口的獨白。
黑白片中的情侶生活描繪的唯美浪漫，
每個鏡頭都可以截下來當書卡，放在金石堂賣錢。
看著男女主角陶醉在愛情生活之餘，故事講的卻是現實生活的困頓與掙扎。
短片「十月五日星期六」中的兩人甜蜜世界，發展成了他的第一部長片，
「瑞典愛情故事」。
 
這部評價很高的電影，我其實有點不明白其動人之處為何？
只是加強印證自己的小感想：瑞典電影總喜歡把孩子當作典範的標準，成年人常常是愚昧又迷失的對照組。
安德森把青澀純真的戀情和一堆過得渾渾噩噩的大人擺在一起對比，
是創舉，日後好像也少見類似的題材。
隨後的「Gilliap」慘敗，影評票房皆不討好。
 
我卻非常享受那款冷調敘事的觀察角度，試著不誇張任何情緒。
造成一種詭異低氣壓，鬱悶窒息。劇中三個角色皆有生活上嚴重的情結，
感情又互相牽絆，整個世界被壓縮在一個困頓又無解的小角落裡。
70年代的「瑞典秦漢」Thommy Berggern 演技不凡，沈默寡言卻有極細膩的內心戲發揮，
看完這片很難不被那對深情又帶點稚氣的眼神迷倒。
鄉村小旅店的背景，讓人窺探亦可揣摩當時北歐生活意識形態，我反而喜歡這部大過「瑞典愛情故事」。
內心的喜怒哀樂，藏在地下室的小房間裡，人們面無表情，口袋裡卻藏了一把槍。
關於悶葫蘆的小人物譏諷與批判，可能自此劇萌芽，在25年後的兩部大作中爆炸。
是灰心於票房失利，是尋找資金兼靈感也罷，安德森轉至廣告跑道沈潛磨練了25年，
拍超過500支廣告，可說是名利雙收。
廣告中的訴求，常讓人有機會檢視生活細節，每件事情的背後動機，
周遭人的反應態度。觀察入微的結果使安德森成為廣告創意大師。
自1983年，因某支廣告的題材，亦受日本歌舞伎的造型影響，
他自此把片中人物的臉都塗白。
概念是為了要消弭主角人物的特殊性與個別差異。
他想讓觀眾看到的劇中人是「那一類人」，而不是「那個人」，
強烈呈現出集體意識而非個別意識。
所以在他的作品中，沒有大牌明星臉孔，
只有幾乎是由路上“撿”來的素人，他們沒有受過專業訓練，
沒有經過修正的情緒表達，套上面對鏡頭時微微的不適應感，
角色即成為走出戲院，真實圍繞在我們身邊的人。
表情木然，重複著簡單的幾句話，死白的臉，朦朧灰綠的房間，
你是誰都一樣，身為人活在世間的困頓，真正關心的命題，
我們的痛啊愛啊，失落與罪惡，無知與脆弱，其實沒有誰的特別，
舉世皆然。
 - 短片-
這25年間，除了大量的商業廣告，兩個短片作品也使人驚艷。
其一是「光榮世界」Härlig är Jorden。
 

 
回想我的成年生活，音樂總是在我身邊提供慰藉的力量與釋放的出口。
既使在我感到最困難的時刻，音樂也會在我耳邊低吟，和我說話。
我曾經問過那些顯赫的作曲家、音樂家與指揮家：
音樂是從哪裡來的？
為什麼會有音樂？
為何我們是世界上唯一會譜曲的生物？
為何我們要做音樂？是怎麼開始的？
沒有人可以給我答案。
於是我臆想，音樂是上天給人類的禮物。
我不是個信徒，但我相信音樂是賦予給人，
使我們在現實中得以驚瞥自更深層世界的奇異榮光。
導演 柏格曼
2004年於法羅島
原文：
“Music as stood by my side, offering comfort and release throughout my adult life.
Even in my most difficult moments, I felt as if someone was speaking to me.”
I have asked prominent composers, musicians and conductors:
-Where does music come from?
-Why do we have music?
-Why are we the only animal on the earth that creates music?
-Why are we doing it, and how did it happen?
None of the people I asked could give me an answer.
Personally, I have a vision that music has been given to us as a gift.
I am not a believer, yet I believe that music has been given to us,
to give us a glimpse of realities and worlds beyond the one we are living in.”
Ingmar Bergman
Director
Fåro 2004
”In watching Autumn Sonata shortly after his death
I realized how important music and silence are in Bergman’s movies.
He was a master in this respect and therefore i want to thank him with this album
containing a style of music I think he would have appreciated.”
Jan Lundgren
---取自Swedish Folk Modern專輯文案
這張專輯我擁有三年多了。
拿到CD的當時讀到這些文字，感動萬分，
柏格曼只用了簡單幾個字就闡述出他對音樂的信賴和感恩。
讓我這個終日打混的音樂人，頭頂都出現了一圈光環，變成榮耀小天使似的。
既然自己沾了這光，總覺得也要對他有些回饋。
努力回想，我真正想不起來我看的第一部柏格曼電影是哪齣。
連在什麼時候看的都忘。
感覺反而像我在有意識之前，柏格曼就存在腦裡的樣子。
好像在觀影之前，就有人不斷警告我，這種電影多麼艱澀難懂，
灰暗憂鬱，語畢接著嘆一口氣。
從黑白片到2003年最後一部電視劇Sarabande，
目前只看過16部。多數作品的DVD在台灣無法取得，
很多是在國外唸書時租到的。
這些被許多朋友稱之為『文青片』(文藝青年才會看的片)
且敬而遠之的電影，其實沒有想像中這麼難以吞嚥。
大多數故事描述很清楚，角色心情轉折很明顯。
當然有許多的鏡頭設定，畫面光影等等技術面的創舉，
資淺的影迷看不懂也罷，因為那並不影響它為一部好看電影的條件。
柏格曼的電影像是一部部文學作品，精準且誠實的使用字句語言。
我絕不想說我最喜歡的是那一部，因為每年都會不一樣；
隨著經歷過不同生活再看一次，捕捉到的情緒與心情投射都差十萬八千里。
屏除掉人生哲學的深層探討，與或許是導演無新插柳，
 卻被影評用掉30張紙去論述『背後的意義』的形而上的東西，
我喜歡柏格曼電影，因為我總是看到角色有成長或轉化。
我更喜歡看到影中人物直率的表達，從深切的喜悅到最齷齪傷人的話。
關於柏格曼是如何成為戲劇電影界的巨擘，他的特寫鏡頭，
作品中偏好探討的內容等，參考書上都寫很多了；
我比較想說說從專訪與記錄片中看到的柏格曼先生。
柏格曼真是我看過最直率的人。
在訪談中無數次敘述他的童年，家庭，婚姻，與日常生活；
他總毫無保留，所有一般人（更遑論是名人）視為不該被攤在陽光下的私密，
對他來說都無需遮掩。
坦然的態度，似乎他從不把鏡頭當成會被放送出去的媒介，
每問一個問題，他就挖開自己的心靈，和心理醫生討論一般的聊起來。
從童年時期的恐懼，對原生家庭的憤怒，幾任髮妻的感情與分手，
他是連潛意識都會拿出來講的受訪者。
有時甚至坦承到讓我難以招架，啊，觀眾不用知道這麼多吧！
常常都是瞠目結舌的聽，帶著窺探別人秘密的快意，同時混雜強烈的佩服。
為什麼他可以如此無懼，如此坦蕩的把自己切開，血淋淋的逼到人眼前？
而柏格曼的誠實，完全反應在他的作品裡。
這應該是他成為史上電影巨擘最重要的因素，我想。
他說年幼時因為妹妹的出生帶給爸媽許多歡愉，
他和哥哥兩人決定密謀殺掉還在強褓中的妹妹，兩個小屁孩最後沒有成功。
手足會互相有競爭敵意甚至殘殺對方，是人天生本能。
但年幼的孩子有多少個會真正聽到心底的呼喚還去勇敢執行？
最甚，長大了還承認這件事。
他媽媽是個護士，生病可以受到母親特別的照顧，
所以幼年的柏格曼常常在生病。他很愛很愛媽媽。
他從來就不是情聖。一般人所熟知被追求或是曖昧的關係，他不懂也不在行。
自學生時代開始，就對女孩子很沒辦法。
直到他開始當導演，在職場上展現出某些權利，才開始有女性靠近他。
Ingrid von Rosen在柏格曼52歲的時候和他結婚，
他聲稱，自此他才走出了人生漫長的青春期。
這個長像神似柏格曼媽媽的女性，是他生命中的真愛。
另外那些不斷因工作而陷入愛戀的女主角們，只能稱是他很好的朋友。
他總共有九個孩子。
對這些孩子完全沒有照顧，一輩子不是沒有演好，是根本沒有演過爸爸這角色。
愧疚，當然有。
Ingrid某年秘密安排了柏格曼所有的孩子到法羅島上為他慶生，
有些孩子甚至不知道對方的存在，不過從此變成一個7月14日的傳統，
柏格曼對此非常感激。
現在他面對自己的成年的孩子們，孫子甚至是曾孫，
像對一般人擁有相同的好奇興趣，和他們當好朋友。
喜歡獨處。孤獨對他來說從來不是件難以忍受的事情；
他不是不愛說話，只是享受寂靜無聲。
生命中唯一例外的時期，是與Ingrid的24年婚姻生活。
他們極度的親密，分享所有事情。
受訪當時Ingrid在五年前過世，自此他停止所有社交生活，
再度回到他獨身，幾近與世隔絕的日子裡。
他清楚表達Ingrid的過世，使他幾乎失去生存下去的動力。
舉步維艱，他試著往前走。在法羅島上嚴格規定自己的作息，
工作的時間與進度，害怕自己一事無成。
他說自己極度恐懼死亡，一直以來都是。但曾有一次麻醉的經驗，因過敏反應昏迷過久，
他心想：原來這就是死掉的感覺嗎？不痛耶。如果死掉這麼簡單的話，那我何必害怕？
他原以為他會比Ingrid先離世，讓前妻繼承他一切財產；
現在他深信，Ingrid 會在死後的世界與他相遇，重逢。
於是死亡對他來說，無須恐懼，應該是個讓人期待的有趣開始。
看著自己多年前的訪談，承認當時腦子是一片空白，只是為了說些話好交差，
其內容根本是一派胡言。
他從來不看自己的電影，會使他非常不舒服。
面對著從自己潛意識投射出來的東西，沒有人會舒服。但是他電影還是拍，劇場還是做。
顯示他不求取悅滿足自己，只想做出誠實的作品，藉此得到療癒。
他說身為一個創作者，最不該聽信的就是那些評論家。
 不論是報紙上的，影評劇評記者社論，離他們越遠越好。
對於如此厭惡的人事，在鏡頭前他從不吝嗇的用力罵回去，淡定不帶髒字。
最有名的莫過於他曾在斯德哥爾摩劇院裡對一位劇評暴力相向，
還被罰了錢。
至今被問起，他仍非常堅持把那個混帳壓倒在地是他經過深思熟慮而不得不做的正確決定。
他很少對一個人如此憎恨，「但我希望他下地獄後被火燒」。
說最應該在劇院裡消失的人就是那些所謂的劇評家。
散佈謠言說我很難搞的那些人，都是些從來沒跟我工作過的人。
求好心切，壓力大使他脾氣不好，偶爾失控。
多年工作經驗讓他學到，當個好導演的條件，首要是照顧好身邊一起工作的人。
他非常瞭解自己每個時期的狀態，面對缺點絕不閃躲，嚴以律己，沒有面子問題。
真切活出身為人的樣貌。
在柏格曼電影中充滿了各式心理學家所稱的「原型」，因此才能使作品歷久不衰。
拍的出「原型」是因為他不斷的自我反省與批判。
他一輩子都很努力，專心的與自己拉扯。他抓住了罪惡感，抓住了羞愧感。
他的人生似乎繞著這兩個軸心在轉，一定是很想徹底的解決它吧！
而這兩件事情恰是趨動人類前進成長，與富有愛與同理心的源頭。
他在作品中焦頭爛額的想理清楚的問題，其實柏格曼早就找到人生的最終解答。
人真是奇怪有矛盾至極的動物。
見著一個如此良善，願意把自己剖開呈現給世界看的人，無一不會愛上他。
這定律大家都知道，那我們平常到底在藏些什麼？
還要怕別人評斷，怕別人不喜歡自己什麼？
對我來說，柏格曼是一個捐贈自己心靈的「大體老師」。
平凡如我們，需要修煉的也只是把自己剖開的勇氣找回來而已。

 
IMDB連結：We need to talk about Kevin 凱文怎麼了
看電影之前不知在廣告還是簡介中瞥見“自閉症“三字，
預期的是一齣心理分析暨家庭倫理電影，呈現眼前卻是純然的、極度的驚悚。
對我來說，最令人毛骨悚然的電影不絕對是血腥暴力噪音；
心理程度的壓迫，完全摸不著頭緒的邪惡，和詭譎的氣氛才是使我尖叫出聲的理由。
此片兼具兩者。行為上的驚悚：血液，屠殺，憤怒，噪音，混亂。
均衡的配合心理上的驚悚：挑撥，仇恨，忌妒，孤獨，不被了解，衝突。
當你覺得片子進行到這裡，應該可以鬆開一下，喘口氣時，
氣氛只是越來越低迷，越來越冷洌；壓力直直的往下沈直到你放棄要呼吸。
努力的想要往上爬，找到光，導演卻要我們徹底對人性感到絕望。
 
以凱文媽媽的角度來著眼。敘述一個有著自閉症孩子媽媽的故事。
除了媽媽與凱文之外，片中幾乎所有其他的元素都被模糊掉。
包括爸爸的職業，家裡經濟狀況，父母感情的深淺，大家庭的關係結構，
像是刻意的被導演塗上馬賽克般，完全看不清楚。
後來聽廣播，編輯解釋道小說原著上有描寫。可見在改寫成電影之時，
被如此處理是有其目的性。
把整個氛圍眼光鎖緊在兩人的身上，構出一種電影的大型自閉。壓迫感於此而來。
凱文從小有著沒來由的忿恨，長大行為偏差。沒有人知道他為什麼會如此，
連社會大眾最期待的角色-也就是凱文的媽媽，也完全無從了解沒有線索，
不知道凱文到底是出了什麼錯，為什麼會變成這樣一個孩子。
直到凱文去高中校園裡屠殺自己的同學，做出這種社會上完全不能忍耐的暴行時，
所有受害者家庭、鄰居乃至整個城鎮的人很自然要把矛頭指向這位媽媽。
什麼樣的媽媽會養出這樣的小孩？
其實指責媽媽，背後藏著一種期待。期待著媽媽可以跟社會大眾解釋，
為什麼凱文會如此泯滅人性？做出這樣天理不容的事情動機是什麼？
所謂社會的期待，當一個媽媽必然要能夠解釋孩子的行為。
要替他的人格養成肩負大部份責任。
更甚要在他變成魔鬼之後，還是要原諒他。
（說起來好像是上帝或佛祖該做的事情？）
如果媽媽連自己的孩子都不能愛，那麼她不只是沒有愛的能力而已，
且必定是冷血怪物，更被社會排擠。
故事的最後，導演有給了類似是答案的東西。雖只是非常模糊的點出。
媽媽是凡人，但當媽的終究還是會透露出某些神性。（在這樣的case裡已經不是母性了）
劇情結構簡單，但用時光穿插敘事，觀眾需要用拼湊的方法把整個圖案接起來，
程度上比較像是自己在辦案，參與度會比直敘法還更高。
導演也刻意用了大量的紅色畫面。
片頭從人浸在番茄堆裡頭，參與節慶中的媽媽臉上卻不見任何的快樂。
到滿屋滿車，被人潑灑的紅色油漆；到校園中，庭院中的血泊。
紅色在這裡充滿了憤慨與刺激，看了就不舒服；
又因時空交錯著演，我看到很多媽媽在清洗地板牆壁的畫面，都想那是漆還是血？
媽媽的手上沾滿了兒子屠殺的鮮血。
她肯定覺得自己比殺人犯還要該死。她必須背負著一個當母親的原罪。
兒子犯了錯，媽媽最該死。
除了顏色之外，有很多影像是把媽媽的臉和少年凱文的臉重疊起來。
或許一左一右，一明一暗或一前一後；
隱晦著媽媽與凱文是同一個人的兩面。
雖然媽媽如此的不認同凱文，愛的沒有立基點，極盡所能也碰觸不到對方心靈的任何角落，
但是有沒有可能，很小的可能，凱文是用力展現著媽媽的人格黑暗面？
心理學上認為，所有精神官能症都和母親有極大的牽連。
此片似乎企圖挑戰這樣的說法。
挑戰學說不新奇，令人驚艷的是，導演卻也很中立，適時點出這位媽媽的某些特質與缺陷，
平衡報導如此拿捏得宜，實所難得。
諾大的院子，簡約空曠的傢具擺飾，簡單冷靜的風格為是要對比主人翁心裡的混亂拉扯。
媽媽無助的抱著哭鬧的嬰兒，不知所措。求助醫生，專業意見皆說小孩沒有問題。
小孩專挑和媽媽獨處的時候哭，爸爸眼中的凱文和天使般可愛。
打從一開始就沒有人支持這被孤立無援的媽媽。
Tilda Swinton的長相特別，有穿透力的眼神演活了許多神怪力充滿的角色，
白透的膚色帶來冰冷的特質。此片中她自頭至尾睜大了眼睛不知所措，從不放鬆。
包括她在職場上和同事的對應，都是緊繃著神經；或許還有些潔癖。
媽媽對人群的疏離感和凱文的出現，為因是果沒有人理的出頭緒。
人生到了家庭場景中，這位媽媽對於親密感覺也是手足慌亂而無措的。
當如同魔胎轉世的凱文不斷有驚人之舉，我每每都期待媽媽這次會有什麼反應？
鏡頭帶到媽媽的臉，醞釀等待情緒的爆發空檔，猶如永遠這麼長，
半秒都難熬下，像是永遠靜止。
情緒就這樣不停的斷裂；好不容易有點流動了，又斷裂。沒預期的無情又絕對。
丁點翻盤的機會都不給。
小凱文不斷的用反抗、親密、正負向都來的交錯方式給媽媽考試。
他若純粹邪惡，大人會知道該對他有什麼反應感受；
但他挑撥爸媽之間的感情，針對媽媽又倒向爸爸的時間居多，但在一次媽媽終於發飆之後，
他突然依偎在媽媽的懷中撒嬌，溫柔的不得了。
用不可預期的情緒給親愛的人考驗，折磨你的同時，心裡還在幫你打分數，
看看你有沒有誠實的丟出心裡想法，有沒有忠於應有的信念？
至於怎樣是輸又誰贏，是凱文自己心裡的畸想，毫無正確標準也沒人知道。
這段描述人性考驗的橋段極度的寫實。寫實到令我毛骨悚然的地步。
凱文一輩子都在和媽媽作對，但最後殺光了同學殺光了全家，獨留媽媽一人。
或許解讀成：他對母親恨之入骨但是仍有本能的愛。
更可以解釋為，把母親一人獨自留在社會上，是對她最終極的懲罰。
輿論，自我罪惡感的譴責，無時無刻的提心弔膽與問蒼天也沒有答案的為什麼。
作爸爸的從來沒有進入狀況，住在同個屋簷下，和人共組家庭；
卻對於家人之間的障礙無動於衷、無技可施、最後無感到死。也算是一種可怕的自閉傾向。
描述如何玩弄人性的弱點，挑撥感情，孤立別人，無底的黑洞，
心理上的驚悚對我來說大大強過於殺人流血挖人眼珠的恐懼。
在最黑暗的地方，最容易看到微弱的光。
我不禁幻想著凱文出生後的另一個劇本要怎麼演會好些。
當媽媽或是社會上，停止用尺規來寸寸精量這個行為合不合理，正不正常，正不正確。
偶爾放鬆些拋開理智，用幽默甚至瘋狂的眼光來看一切，
會不會讓感情與自然流露的愛開始運行起來？整個家庭的命運會不會有另一番風景？
身為一個母親，被迫著要愛自己的孩子。
即使是一個自己都匪夷所思，完全不符合自己期待的孩子，
萬一就是愛不了怎麼辦？凱文一面使壞，一面心裡清楚的狠自己並不得母親的疼愛。
身為母親的無奈和壓力被描寫的淋漓盡致，我想女人最大最深的恐懼莫過於此。
片尾最終的擁抱全片唯一的亮點。令人終於有鬆口氣，氣溫回升的感受。
在鐵牢中的凱文，無從挑選那與生俱來的閉鎖困頓，
但遠走的母親，將終生活在孤獨恐懼中，究竟是誰自閉了呢？
*延伸閱讀：參考20120324 News98 發現心關係廣播節目

 
IMDB連結：How do you know 愛在心裡怎知道
                      Take this waltz 愛我，還是他
愛情喜劇(Romantic Comedy)是一直都有在看的電影類型，
卻從未想過要寫出什麼看後心得或是比較分析。
這兩片絕對不是近年來愛情電影的首選，或許連我心目中的前十名都擠不進，
可是兩片呈現了過去從沒出現過的氛圍，值得紀錄一下。
此兩部片表面看來是再普通不過的好萊塢情人節強檔商業片，
尤其看到這幾個演員名單，八九不離十會把它想成是喜劇類。但實則不然。
上映日期雖相隔大半年，但天意的巧合讓我在一週內接連看到。
無論封面，調性看來很似相同，主軸與故事內容卻是180度的相反走向，
兩者皆以女性看問題的角度為出發，主角個性與事件結果卻也南轅北轍。
多點的巧妙契合之感，把兩片擺在一起相比較很有意思。
再拿過去好萊塢慣用的愛情喜劇手法與劇本來對照想像，
以這樣的路數走下去，走了十幾年老套的愛情喜劇片或許正嘗試著開拓出一全新領域。

 
今年的典禮不同以往，多了些許年輕氣息，
蹦跳的安海瑟威與酷樣的James，
擠出許多冷笑話，沒有現場大型歌舞秀，有點讓人失望。
但莊重依舊，舞台用大型投影的方式，
重現許多電影片段的堂皇壯麗。 每讓我感到最動情的片段都是緬懷殞落的巨星與同事。
走了的，留下的，凡努力過的都將成為一種傳承，
滋潤、啟發對藝術工作熱愛的後輩。
感受到時光的流轉，盛開的生命在其中力量之澎湃，
真是人世間獨有的美好。
看著領獎者躍上台，慌亂興奮的致著謝詞，
感恩夥伴們的一同打拼，那些坐在台下的家人朋友最是知道他們的掙扎與辛苦吧！
那些走過的荊棘的道路，現在榮耀著彼此。
誰得獎真的不太重要，因為大家是來歡慶全年來的工作成果，敘舊聚首。

 
IMDB連結：The Girl in the Cafe
2005年HBO製作的電視電影(TV Movie)。
在看之前從沒耳聞，沒看過預告，當然也就沒有任何先入為主的成見，
沒有胡亂的期待，不知道關於什麼發生什麼結局會怎樣。
﹝因為現今太多長達三五分鐘的預告片，完全是拿來破梗用，
真不知道電影公司在想什麼…﹞
淨空的腦袋，偶然撿到一部誠摯的電影，
似是在盛夏獲得五天聖誕假期般的開心。
光看電影海報和名稱，八九不離十應該是愛情電影；
瘦高的50多歲男人，西裝筆挺，單獨的刷牙，吃早餐，不停工作。
寡言，時常若有所思，任誰都看的出來他生活空虛寂寞。
擁擠的咖啡館中，他不自覺的被女孩的內斂和害羞，幾近退縮的特質吸引。
男人繼續忙碌的工作，把短暫約會塞進排滿的行程裡，女孩沒有任何意見。
女孩似乎不曾對任何事情有意見，常靜默的微笑。
明顯地，女孩的社會地位和教育水準不及在公家機關上班的男人，
但從簡單的對話內容中窺探，她稱不上精明，卻對事物有著新鮮角度的獨到見解。